Vuelve, como todos los años, un festival que en cada edición (y con ésta ya van doce) ha sabido cuidar a su selecto público. Desde aquel lejano 2002 el Azkena Rock Festival [http://www.azkenarockfestival.com] siempre ha sido sinónimo de calidad, y  a la vez de cantidad. Siempre nos hemos embarcado a Vitoria-Gasteiz con la idea de ver a esas 3-4 bandas que llevabas años deseando ver, sí, pero raro era el año en el que no descubrías buenísimos y auténticos combos de los que en ese momento nada sabías, pero que nos acompañarían en los siguientes años. No falla, el ARF es recordar y también descubrir.

Este año ya tenemos la primera hornada de grupos: los noventeros Modest Mouse y Rocket From The Crypt (éstos últimos inactivos desde hace al menos 8 años), los eclécticos Alberta Cross o Gov´t Mule, verdadera banda de referencia del blues rock. The Sword y los fiesteros M-Clan acompañan en un cartel en el que destacan dos bandas que tienen mucha tirada: The Black Crowes (que ya desplegaron su magia sureña en este mismo festival hace años) y The Smashing Pumpkins, cuartero liderado ahora por el único miembro original Billy Corgan, que transportará a todo el mundo al mal llamado grunge de hace ya veinte años.

Desde StereoZona recomendamos a todos los amantes de la música que se acerquen los próximos 28 y 29 de Junio a las campas de Mendizabala, pues la propuesta musical así como las vibraciones son inmejorables en un festival que se ha ganado a rockeros, punkis, souleros o rockabillys, al ofrecer cantidad de estilos musicales seleccionados además coherentemente. Que tomen nota muchos de los otros festivales de la península, que crean su cartel en base a las ventas, sin escrúpulos ni elegancia alguna.

Y atentos las próximas semanas porque aún faltan bandas por confirmar. ¿El tío Neil con su caballo loco? Están de gira por Europa y hay posibilidades… así que esperamos la resolución con el alma en vilo!

¡¡Allí nos vemos!!

Fotos por Mikel Blasco

Un nuevo álbum de los catalanes siempre es motivo de dicha para aficionados musiqueros, les guste el estilo que les guste. De hecho estoy convencido de que muchísima gente adora este grupo, sólo que aún no lo saben, pues aún no los han escuchado (debidamente). Y aunque superar el anterior trabajo era complicada tarea para el grupo (The Neighbourhood, 2009, era un ecléctico y rabioso collage), sí que con éste han llegado al nivel. No sabría decir si es mejor o peor, pero sigue su senda, aparcando (un poco) los riffs Stooges/Mc5 que tanto explotaron en sus primeros discos.

No me malinterpretéis, hay crudeza y ansia punk rock en gran parte del álbum, pero tienen su sonido más perfilado que en sus inicios. Yo propondría pinchar In the right place o Dead Cops en cualquier discoteca para que la gente por fin pueda disfrutar del baile sin necesidad de hacerlo con ritmos ya programados ni con electrónica repetitiva. Peace is Money es un funk muy melódico y pegadizo, Seven sisters es un single directo y explosivo y la balada When those times are coming back (la única bajada de ritmo en todo el trabajo) es de lo mejorcito y recuerda bastante al soul de Philadelphia.

En su sexto largo, TSD siguen usando el rock garagero y el soul pero con distintos matices; por ejemplo el uso del saxo no se limita a recapitular los sonidos del instrumento en el "Fun House" de los Stooges como hacían antes, además, no se andan por las ramas y continúan entregando temas de 3 minutos de media con muchos sentimientos encapsulados en su interior. Si este mundo fuera perfecto esta banda lideraría las listas de éxitos de nuestro país, porque aunque bien es cierto que petan salas en ciudades como Estocolmo, Toronto o Moscú, no estaría de más mirar a la cosecha cercana y darnos cuenta de todo lo bueno que tenemos.

Es curioso, muchos de los redactores musicales que vivieron la época gloriosa para esta profesión (escribir sobre música) afirman constantemente que desde hace años “el rock ha muerto” y yo no puedo estar más en desacuerdo. ¿Qué ya no salen nuevos estilos de música cada cinco años? Bien, pero eso no significa para nada que no haya grupos que pueden volarte los sesos en uno de sus directos; o hacerte sonreír, bailar frenéticamente,  llorar, pensar, empatizar e incluso entender. La música popular (y el rock también) está más vivo que nunca, sólo que está más disperso. A nosotros nos toca separar el grano de la paja.

POLE

L.E.V. o Laboratorio de Electrónica Visual es un encuentro para la creación de arte sonoro en el ámbito digital donde videojockeys/discjockeys con potentes programas (como supercollider o plataformas de electrónica abierta que harían húmedos los sueños de Massimo Banzi) generan visualizaciones y “mapeos”, construyen “perfomances” de ordenador que controlan música electroacústica, realizan “programación en vivo” (live coding o práctica de improvisación donde el código se convierte en el interfaz que la audiencia puede visualizar porque se proyecta públicamente), producen expresiones de teatro-músico-electrónico etc. Un espacio donde artistas y músicos fusionan imagen, sonido y texto, en definitiva, el lugar perfecto para que la tecnología, la música y la cultura dialoguen.

L.E.V. Laboratorio de Electrónica Visual, VII Festival Internacional de Creación Audiovisual de Gijón/Xixón es un encuentro que se lleva repitiendo anualmente desde el 2007 y que habitualmente se ha celebrado el primer fin de semana del mes de mayo en el campus de la Laboral de Gijón gracias al apoyo de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Laboral Escena y el Gobierno del Principado de Asturias.

Sus actividades se reparten en distintas localizaciones (Teatro, Iglesia, Laboral Centro de Arte y Creación Industrial y el Jardín Botánico Atlántico de Gijón/Xixón) y recogen una muestra de los trabajos más sugerentes en el campo de la nueva estética de la convergencia del discurso audio-visual donde tienen cabida en la programación oficial artistas consagrados, así como jóvenes talentos nacionales e internacionales.

Además de música también hay actividades paralelas a lo largo de los dos días de intenso festival. Para ésta edición el sábado 4 de mayo el “Workshop Red Bull Academy”, un taller donde un artista imparte una clase sobre cómo utilizar tecnología musical, corrió acargo de Clark (Reino Unido) que explicó el uso de sintetizadores modulares y hablo sobre sus influencias musicales y trayectoria profesional. El “Workshop: Bhoreal controlador hardware” donde al público asistente se le introdujo en los principios básicos de la construcción y programación de interfaces de código abierto durante dos días, uno de ellos en abril y otro el viernes 3 de mayo, en sesiones de cuatro horas.

L.E.V. en colaboración con la revista The Wire también se interesa por acercar la reflexión y debate sobre las tendencias dentro de la música  electrónica contemporánea y presentó varias mesas redondas con artistas de la programación (J. Lemercier, V. Oliver, R. Porter y Ramie) para debatir sobre el “live coding”, las nociones de narratividad en los espectáculos de música electrónica y la influencia del noise y la oscuridad en la música de baile contemporánea. Como viene siendo habitual la convocatoria L.E.V. - ScannerFM (radio especializada en música electrónica) que seleccionó dos propuestas nacionales para participar en el L.E.V. Otra actividad paralela a las actuaciones musicales es The Creators Project que en colaboración con L.E.V. presentó un ciclo de vídeos dedicados a artistas de reconocido prestigio internacional, y por último, Realidad Elástica una perspectiva sobre cómo los artistas contemporáneos transforman conceptos tradicionales como representación, paisaje, narrativa etc.

Originalmente concebido y diseñado por el colectivo asturiano Datatrón 0×3F y que rinde tributo a través de sus siglas a Lev Theremin (1896-1993) inventor y científico ruso creador del Theremín uno de los primeros instrumentos electrónicos,  el festival L.E.V. explora los cambios vertiginosos que ha traído la electronificación de la música desde el micrófono hasta el ordenador y cómo la tecnología musical ha dado lugar a nuevos estilos y técnicas. El componente visual es un aspecto importante de la música electrónica. Los orígenes de la simbiosis entre la imágen y el sonido se remontan a Thomas Wilfred (1889-1968) quien construyó en 1920 uno de los primeros sistemas de visualización, el Clavilux, que se tocaba similar a un piano pero que en lugar de sonidos creaba patrones de luz sobre la pared. En tanto y cuanto la tecnología computacional se desarrollaba a mediados del siglo XX, artistas e investigadores empezaron a escribir códigos para programas destinados a visualizar música. Entre los primeros programas se encuentran el FORTRAN de J.B. Mitroo y Nancy Herman. Hoy existe el MIDI (musical instrument digital interface) que es un sistema de notación para visualizar la estructura dinámica de la música (presentaciones visuales que se sincronizan con la música sin que tengan que estar pre-secuenciados).

Pero también explora la intermodalidad entre lo visual y lo sonoro, lo simbólico y lo artístico y es en este punto donde me quiero detener un poco más antes de hablar de las actuaciones que tuvieron lugar dentro de la programación artística del L.E.V 2013. Los espectáculos de la música electrónica-experimental establecen la conexión audio-visual on-the-fly en respuesta a la música como suena. Integran elementos y características de la música para asegurar que el resultado visual se correlaciona con lo que la audiencia está escuchando. La música electrónica actual es un festín para los sinestetas, personas con la rara facultad de experimentar sensaciones de una modalidad sensorial particular a partir de estímulos de otra modalidad distinta, es decir, personas que cuando oyen sonidos particulares tienen simultáneamente asociados a ellos sensaciones visuales (colores). La sinestesia puede dar lugar a correlaciones sensoriales muy sui generis, como por ejemplo, la ya mencionada audición-visión, pero también, tacto-auditivas, tacto-gustativas, olfativas-auditivas etc. (Para más información sobre la sinestesia, véase Baron-Cohen et al. 1996 y Citowic 2002). Para explotar todas las posibilidades de la intermodalidad sensorial del ser humano hay que conocer, por lo menos de una manera básica, el proceso de integración audiovisual que nuestro cerebro lleva a cabo porque hay limites tanto en nuestros sistemas sensoriales como en la capacidad de procesar del cerebro, y esto es algo que determina el tipo de combinación posible de estímulos audiovisuales.

Las característica básica de nuestro sistema auditivo es que tiene un rango de frecuencias finitas que puede percibir. El rango medio es de 16Hz a 16,300Hz, y para el diseño de altavoces es de 20Hz a 20Khz. Por lo que respecta al sistema visual el ojo humano puede percibir longitudes de onda que oscilan entre 380nm (rojo) hasta 780nm (violeta). A la hora de diseñar animaciones visuales es importante tener en cuenta cómo el ojo interpreta el movimiento. Cuando vemos movimiento “artificial” en una pantalla este movimiento debe ser lo más continuo posible para parecer real. Nuestro ojo “escanea” el mundo muy rápido por lo que las imágenes también deben moverse muy rápido a una media de 24 fotogramas por segundo que es lo estándar para una película de celuloide. Para películas o animaciones digitales unos 30 o 60 fotogramas por segundo.

Dicho esto cada uno de los artistas incluidos en la programación del L.E.V. supieron explotar las limitaciones básicas de nuestra capacidad de representación audio-visual para crear experiencias intermodales únicas.

Jardín Botánico

Llegamos un poco cansados de un viaje de tres horas desde Bilbao a Gijón por la ruta del litoral cántabro, pero en buena compañía y sabiendo que nos esperaban dos días de música electrónica experimental, el cansancio se fue rápidamente. El marco no podía ser mejor, el campus de la Laboral que pasó de ser orfanato minero a Universidad y uno de los complejos de edificios civiles más grandes de la España franquista. La primera impresión y opinión que me forme del festival en mi debut como asistente y cronista es que el L.E.V. es la versión familiar, low-cost y poco explotada comercialmente hablando del archi-conocido Sonar. Lo cual ya es todo un acierto desde múltiples puntos de vista. Una descripción más seria y formal es decir que el L.E.V. forma parte de la tétrada de festivales de la geografía estatal que junto con el LEM, Sonar y Periferias todo amante de la experimentación musical electrónica tiene como cita obligada cada año.

El eje temático de la programación artística del L.E.V. 2013 se dejaba entrever entre la selección de nombres para el cartel. El ambient, y especialmente el “dark ambient”, creado por sonidos mecánicos, oscuros, desfragmentados y sin melodía perceptible; y el noise, de baja intensidad aparentemente relajado, pero de sonidos industriales chirriantes que se desquebrajan. Dos jornadas de festival. Una primera jornada destinada para los gustos más exigentes de la música electrónica contemporánea, y una segunda jornada, más popular y fiestera que en conjunto hicieron que el festival obtuviera la nota de 8 sobre 10. Lo más importante, la gente y el buen rollo.

Santiago Latorre

Santiago Latorre fue para nosotros el primero en actuar. Viernes a las 21:00 horas en la iglesia y no fue una casualidad. Hace música con ordenadores, un saxofón y canta. Tal y como define él su música “lenta pero intensa, para tener sexo, para ir a la iglesia o para conectar con el más allá”. Un preámbulo introspectivo para la sacudida de hercios posterior con Oneohtrix Point never, aunque antes vimos a Tim Hecker. El último disco de Santiago es Eclíptica (Föehn 2011) que nació a partir de una iniciativa entre Grácia Territori Sonor y el Observatorio Astronómico de hacer un “Gran Hermano” de convivencia entre varios músicos y trabajadores. El disco explora la naturaleza del cosmos a través de la música. Un viaje hacia las estrellas y hacia tu interior más profundo.

Tim Hecker músico electrónico canadiense que colaboró con OPN para producir conjuntamente Instrumental Tourist es otro de los artistas sonoros más importantes del momento. Con cinco álbumes y nueve EPs su música en solitario se caracteriza por crear ambientes oscuros. Para mi gusto, y el de mis acompañantes, demasiado desestructurado e inconexo con algunos puntos de climax y secuencias melódicas repetitivas de anclaje, pero de difícil escucha sino eres un fan aférrimo de sus exploraciones sonoras.

Daniel Lopatín OPN

Daniel Lopatín actuó seguidamente a las 23:00 horas, conocido artísticamente como Oneohtrix Point never (OPN). De marcada esencia retrofuturista OPN es polifonía en estado puro. Su trabajo es excesivamente abstractivo y conceptual y junto con Tim Hecker los dos artistas menos “pop” de la jornada del viernes. Los contenidos visuales de OPN fueron bastante sui generis. Para mi no enganchaban y tenián una correlación poco congruente con la música.

Roly Porter actuó junto con el colectivo audiovisual MFO después de OPN a las 00:20 horas en el mismo emplazamiento, el teatro. Roly Porter conocido por haber sido la otra mitad del dúo dubstep Vex´d de Bristol, la otra mitad Jamie Teasdale, es un continuador del movimiento post-rave británico y amante de los subgraves. Se le puede describir como un diseñador de sonidos y compositor por su uso de instrumentos inusuales y por primar más la faceta compositiva que la producción. La publicación de Aftertime (Subtext 2011) fue considerada por muchos como lo mejor que sucedió ese año. Porter tuvo como colaboración visual en directo en el L.E.V. al colectivo MFO para presentar su espectáculo Akheron Fall originalmente creado por él mismo y Marcel Weber para el estreno del festival CTM en Berlín. MFO son Marcel Weber y Lucy Benson colectivo audiovisual que trabaja principalmente con imágenes, espacio y luces para crear instalaciones donde el concepto toma mayor virtualidad que la técnica.

Pero quien verdaderamente se convirtieron en la sensación de la primera jornada del L.E.V. fueron RAIME un dúo (aka Joe Andrews y Tom Halstead) que reside en Londres que con su álbum debut, Quarter Turns Over A Living Line, recogió muy buenas críticas el año pasado. Oscuro e inquietante RAIME nos condujó hacia un viaje inspirado en la música gótica y la nueva ola del synth con unas proyecciones muy acertadas y estéticamente muy sugerentes sobre todo su “sandman” de 3D que se deshacía progresivamente y las imágenes de naves industriales. Si hubiera podido tener un aplaudimetro con RAIME la medición se hubiera disparado. La audiencia les aplaudió enérgicamente en respuesta a un espectáculo notable en su concepción y ejecución. Lastima que no podamos contar con documento gráfico por la baja intensidad de luz que había durante su espectáculo.

Stefen Betke, o Pole como se le conoce artísticamente, actuó a las 02:30 . El llamado “príncipe de las bajas frecuencias” por la prensa especializada y autor de la trilogía de volúmenes Waldgeschichten (Historias del Bosque) nos ofreció una atmósfera de relax casi narcotizante. Los contenidos visuales corrieron a cargo de Cristina Busto.

Andy Stott

Para acabar la jornada, y en la iglesia, de cierre tuvimos a las 03:35 a Andy Stott quien ha reescrito el discurso formal del techno reduciéndolo a la expresión más mínima (slow beat o de bajas pulsaciones). Los paisajes sonoros de Stott están llenos de efectos, armonías, y loops de bajos envolventes que hicieron bailar al público. Bailar era algo que se deseaba mucho tras haber presenciado la experimentalidad de Hecker y OPN en el teatro sentados.

De la segunda jornada que daba comienzo a las 13:00 con sendas actuaciones en el Jardín Botánico solo pudimos ver a John Roberts tras vernos obligados a sucumbir a las necesidades de reconstitución y reparación del sueño. Actuó a las 14:45 horas presentando su esperado trabajo antes de su fecha prevista de publicación en mayo del 2013. Abanderado del house como no cabría esperar otra cosa porque forma parte del famoso sello Dial Records también hace sus pinitos en la co-edición de revistas como la Travel Almanac donde se habla de viajes desde el punto de vista de artistas que deciden contar sus escapadas, entre ellos David Lynch. Por lo que respecta a su actuación y la presentación de su nuevo álbum, Fences (Dial Records 2013), fue todo un ejercicio de conciencia sonora de los viajes que ha tenido que realizar para el Amanac. Armado con una grabadora documentó los sonidos que se iba encontrando por todo el mundo.

Llegada la noche el festival se traslado a la nave y allí pudimos ver a Joshua Leary productor de música electrónica de tan solo 22 años mayormente conocido como Evian Christ que comenzó su espectáculo en directo hacia las 23:35 horas del sábado. Evian Christ es una irrupción sorpresiva, pero prometedora, en el mundo de la música contemporánea. Estudiante de magisterio solo había colgado varios vídeos en You Tube de forma anónima cuando empezó a recibir mensajes de artistas visuales, sellos discográficos, revistas... interesándose por él. Su música, extremadamente fresca, llamó la atención del sello Tri Angle que le ficho. Entre sus influencias se encuentran Clams Casino, Odd Future grupos que han acuñado nuevos subgéneros como el Cloud Rap cuyas características son “beats” etéreos y muchas veces letras absurdas. Durante su espectáculo mezcló el R&B y el soul lo que dió el tono racial al L.E.V.

Face + Heel, dúo revelación del Reino Unido, apareció con su mesa de operaciones, y con Sinead a un lado y Luke al otro, parecían estar cocinándonos sonidos lo-fi como entrante para el hardcore posterior

Emptyset

Emptyset y J. Lemercier unieron fuerzas para actuar a eso de la 01:25. Emptyset es un proyecto de colaboración entre James Ginzburg, director del Multiverse Studios, y Paul Purgas, artista electrónico. Por su parte, hablar de J. Lemercier es hablar de origami digital, mapping, luces y geometría. Dicho unión ha intentado profundizar sobre la fisicalidad del espacio arquitectónico y su influencia en el sonido. Por utilizar la expresión del arquitecto Marcos Novak experimentos en “arquitectura líquida” que correlacionan la arquitectura con la música. El interés por el sonido producido por los espacios (música + arquitectura o las relaciones entre lugares y sonidos) se puede retrotraer a los origines históricos de la arquitectura de la mano del padre de la arquitectura, Vitruvio, cuando instaba a los arquitectos a estudiar las propiedades acústicas en el diseño de los teatros. Otros autores también hacen referencia a las altas reverberaciones de las catedrales medievales y el desarrollo del canto. Un interés que llegado el Renacimiento se perdió cuando la arquitectura se hizo eminentemente visual. Emptyset es un proyecto contemporáneo que intenta rescatar esta relación entre la arquitectura y la música, pero esta vez la música creada con ordenadores. Sin embargo, los contenidos visuales de su espectaculo fueron monocromáticos similares a un televisor con señal defectuosa con nieve y poco tenían que ver con la representación del espacio. Su espectáculo fue música de sub-graves.

KID606

Miguel Trost de Pedro (aka KID606) estuvo entre nosotros a eso de las 02:20 horas. Este artista de origen venezolano desdibuja la frontera entre el remix, mashup, y géneros musicales tan dispares como el punk, jungle, hi-hop, techno, dancehall. Desafiante creativamente hablando, deseamos por su bien que no hubiera ningún representante de la SGAE ni abogado alguno entre el público, KID606 roba lo mejor de cada casa para construir nuevas y mejores edificaciones sonoras. KID606 que ha trabajado con artistas como The Rapture y Depeche Mode nos hizo disfrutar como niños. Acompañandole en las proyecciones estuvieron los contenidos de THR3HOLD colectivo asturiano de creación audiovisual que explora diversas propiedades estéticas de la imagen y el audio.

John Hopkins y Dan Tombs que actuaron el sábado sobre las 03:30 horas son la perfecta combinación de músico y artista visual. John Hopkins que presentó su último trabajo, Immunity (Domino Records 2013), es ampliamente conocido por su faceta de productor musical, colaborador artístico (Brian Eno, Coldplay...) y compositor de bandas sonoras para películas. Immunity su cuarto álbum en solitario es un material fuertemente focalizado hacia la pista de baile, de hecho es su álbum más bailable lo que le coloca en una posición predominante dentro de la escena clubbing actual. Dan Tombs videoartista/videojockey forma parte esencial de la música electrónica no solo de John Hopkins, sino también de Luke Abbott, Walls y Factory Floor. Tombs se caracteriza por una estética Arcade en sus proyecciones que alude a los videojuegos clásicos y su modus operandi se sitúa en un proceso intermedio entre lo analógico y lo digital. La actuación conjunta de estos dos artistas fue un ejemplo en acción de la filosofía L.E.V. donde la visualización de la música y la musicalización de lo visual crea un nuevo medio dinámico para una expresión artística más completa e integrada. La actuación de Hopkins que fue la penúltima de la noche tenia que haber sido el cierre de la jornada. En todo momento supo entender las necesidades del público que para esas horas estaba claramente motivado a tener una buena fiesta de baile de sábado noche.

Chris Clark (Reino Unido) del sello Warp Records presentó un nuevo show visual en el L.E.V.: Iradelphic Sessions. Iradelphic es su último largo con influencias psicodélicas (Boards of Canada), noise y del minimalismo drone. Aunque es un disco de género (música electrónica) es un ejercicio de involución a posiciones mas orgánicas e instrumentales. Tal y como comentó durante su workshop del Red Bull Academy donde explicó su trayectoria profesional, influencias etc. durante buena parte de su carrera profesaba un anti-instrumentalismo que en este nuevo trabajo desaparece. De hecho, la apertura del disco compuesto por 12 temas comienza con una guitarra que estará omnipresente a lo largo del mismo. Nostalgia de “0s” y “1s”, podríamos decir. Su show que cerró la séptima edición del L.E.V. pudo haber sido mucho mejor teniendo en cuenta que era el plato fuerte de la jornada. Para mi no hubo fluidez durante su show.

Si desconocías la existencia del L.E.V. y la música electrónica te atrae, en cuanto tengas oportunidad no dudes en pasarte por la maravillosa ciudad de Gijón. Rompe con los mitos de que la música por ordenador es fácil de hacer y artificial. Muchos de los artistas han recibido una educación formal de conservatorio, y por supuesto, los mismos principios que rigen la música tradicional de instrumentos reales se aplican a la música electrónica. Te sorprendería saber la estrecha relación y continuidad entre la música clásica y la música electrónica. (Texto: Anibal Mastobiza. Fotos: Miriam Sarrapio)

Suena el cuarto corte del disco, Chardonnay,  y uno cae en la cuenta de que en el minuto y medio que éste dura se encierran muchos de los elementos que Mudhoney siempre han poseído y que nos ha hecho amarlos: la urgencia en la interpretación, la agresividad y diversión, el riff facilón pero punzante y un desestructurado solo garagero en la onda de los Kinks mutados con Black Flag. Este tema podría perfectamente competir con el clásico de la banda Hate The Police.

Son diez temas los que dan forma a éste último álbum (mejor aún que su interesante predecesor The Lucky Ones), que sigue teniendo elementos Stooges a tutiplén (imposible que no sea así con el timbre de voz de Mark Arm y con los latigazos de wah wah y fuzz que escupe el gran Steve Turner a través de su ampli) pero que da un pasito más en su evolución hacia sonoridades donde conviven el garage, el punk rock, la psicodelia y una gran montaña de mugre. In This Rubber Tomb, por ejemplo, nada en un mar de guitarras enfurecidas, mientras que I Don´t Remember You (con claro guiño a Hendrix) o el single I Like It Small suenan al puro “hit” Mudhoney, si es que alguna vez los tuvieron.

Ha sido grabado en el sello Sub Pop como han hecho casi siempre (decisivo para la expansión del `grunge´ desde la ciudad de Seattle) y sin titubear digo que ninguno de los temas sobra. No tiene prácticamente deceleraciones, a excepción del medio tiempo Sing This Song Of Joy, y nos traen a la mente una rara avis que está sucediendo con este grupo: este año celebramos los 25 años de carrera a sus espaldas y aún suenan auténticos, afilados y grotescamente irreverentes. Que mantienen su esencia, vaya. Bravo.

El sábado pasado la Sala Azkena dejó de estar situado en Bilbao y se teletransportó al desierto americano. Una larga carretera, un sol infernal, un coche rápido y una mujer atractiva. Ese tipo de cosas son las que invocaron los Guadalupe Plata cuando salieron a tocar. Durante hora y media larga, los asistentes al concierto fuimos transportados a ese bar peligroso, ese sitio al que no entrarías (pelea incluida) a través del blues rudo, de whisky y cuero, de estos andaluces.

No han inventado nada, es cierto, tampoco hace falta, tampoco se lo ha pedido nadie. Si eres bueno en lo que haces no necesitas más. Y estos tíos no son buenos, son los mejores. Sustituir un contrabajo por un barreño, un palo y una cuerda y que no eches de menos el instrumento ya deja claro del nivel al que juegan estos tíos. Paco Luis Martos toca el barreño cómo si nunca nadie hubiese inventado el bajo, Carlos Jimena lleva el ritmo en las venas y para Perico de Dios la guitarra no es un instrumento, es una extremidad más, y la explota hasta que no puede dar más de sí.

Semi-instrumentales (o más bien semi-cantados), de letras sencillas y ritmos directos. Canciones que van al grano, a la entraña, y que son capaces de enloquecer a cualquiera. Que se lo cuenten si no al espontáneo que subió al escenario o a los dos que terminaron pegándose durante la actuación, eso sí, sin que en ningún momento se detuviese la música, porque los tíos rudos no paran por nada ni por nadie, primero va la música y luego lo demás. Y si se tienen que matar, que se maten.

El sábado fue una noche no apta para cobardes. Una noche de blues rudo, de rock de sexo y tatuajes. Guadalupe Plata son una de las mejores bandas estatales ahora mismo. Estos andaluces que suenan a Arizona devolverían la fe en la música a cualquiera, y lo hacen sin innovar siendo crudos y salvajes, prueba de ello su interacción con el público, nula a excepción de un último saludo con la mano al final. Salieron, hicieron lo suyo y se marcharon, yendo al grano. Porque a veces no hace falta nada más.

(Texto: Cosme Gumuzio. Fotos: Helena Goñi)

Las inscripciones para participar en el 25 Concurso Villa de Bilbao del año 2013 se podrán realizar hasta el 31 de mayo a través de la web, donde tienen que apuntarse las bandas participantes en las categorías de pop-rock, metal y otras tendencias, según su estilo musical.

El Concurso Pop-Rock Villa de Bilbao, convocado por el Área de Euskera, Juventud y Deporte del Ayuntamiento de Bilbao, se ha consolidado como el concurso musical más reputado a nivel vasco y estatal durante 25 años. El "Villa" es hoy un referente en el panorama musical europeo de nuevos grupos.

El apartado de premios no tiene parangón: más de 20.000 € en metálico, conciertos en Bilbao (Aste Nagusia y Bilborock) y en otros festivales (Azkena Rock Festival),instrumentos musicales...

Inscripción y consulta de bases: www.bilbao.net/bilborock

Informazio gehiago / Más información / More info:

Bilborock

Euskara, Gazteria eta Kirol Saila / Área de Eskera, Juventud y Deporte

Tel: (+34) 944 151 306 / mail:  bilborock@ayto.bilbao.net

Han pasado casi 20 años desde que escuché por primera vez Never Let Me Down Again y desde entonces servidor se confiesa seguidor de esta banda inglesa. Vuelven con un nuevo trabajo titulado Delta Machine el cual me produce cierta sensación de morriña. Cuando uno crece acompañando de una banda sonora siempre tiene cierto apego a aquellos artistas que la conforman. Este es el caso de Depeche Mode. En formato casete me empape del rock-pop electrónico tarareando canciones como la tan versionada Personal Jesus.

Estos trece nuevos temas nos presentan una ‘nueva etapa’ de la banda que tiene un sonido bastante mas sobrio y maduro. Es uno de esos CD´s para escuchar con calma y saboreando sus canciones de principio a fin. A nivel personal me parece un trabajo kafkiano donde Depeche Mode ha sufrido una nueva metamorfosis. Los últimos discos hasta la fecha no me resultaron del todo llamativos. Sin embargo, al escuchar por primera vez el single Heaven he vuelto a recuperar esa atención que por un momento se fue.

La electrónica está de moda. Muchos son los que han empezado a tontear con ella dejándose llevar por la corriente. Desde mi punto de vista se han cometido bastantes atropellos y al escuchar a los padres de este género uno vuelve a recuperar la fe. Al escuchar lo sintes y baterías de Secret To The End, Slow o Soft Touch/Raw Nerve se puede apreciar esa esencia. En general no es un trabajo que tenga altibajos. Puede que algunas canciones como The Child Inside no me digan mucho pero sin duda es un disco que se me hace bastante apetecible.

Tenía ganas de escuchar un disco nuevo que mereciese la pena y tras escuchar Delta Machine tengo más ganas que nunca de verles en directo en el BBK Live de este año. Para aquellos que se queden con ganas de más han sacado una edición de lujo con cuatro temas nuevos y un libro con fotos.

Tracklist:

1.Welcome To My World
2.Angel
3.Heaven
4.Secret To The End
5.My Little Universe
6.Slow
7.Broken
8.The Child Inside
9.Soft Touch / Raw Nerve
10.Should Be Higher
11.Alone
12.Soothe My Soul
13.Goodbye

Si las primicias te ponen como una moto,

si te gusta saber antes que nadie la actualidad musical,

...desde StereoZona  hemos podido saber en exclusiva una de las primeras confirmaciones del festival Bakio Sound. El festival Bakio Sound ya tiene para su sexta edición confirmada la presencia del grupo Kokoshca.

Este trío (Amaia, Javi e Iñaki) con dos trabajos publicados se está convirtiendo en abanderado de una nueva escena musical navarra. Kokoshca conjuga sabiamente la actitud punk y las melodías pop.

Si quieres conocer a Kokoshca, ya tienes cita en Bakio Sound el 27 de julio.

Estate atento a futuras noticias del festival.

El cantautor urbanita cumple cuarenta años el próximo octubre, algo así como la mayoría de edad en esto del rock. Puede hacer balance y sentirse orgulloso de estos últimos quince años publicando discos, porque el chico aprueba, y con nota.Venía a presentar su noveno disco de estudio, acompañado por base rítmica y otros dos guitarristas (el habitual Eduardo Ortega, que no podía faltar), además del propio Quique.

Comentaba que aquel era el tercer concierto de la gira, y se notó, pues estaban con las pilas bien puestas y totalmente engrasados como banda. Arrancaron con La Fábrica, de su nuevo trabajo Delantera Mítica (2013), y durante las dos siguientes horas el madrileño nos garantizó un buen rato lleno de temas de inspiración rockera como la reciente Dónde está el dinero? o Hotel Los Angeles, que todo el mundo coreó y aplaudió. Otros temas más pausados como Kamikazes Enamorados y las preciosas Cuando Estés En Vena y Su Día Libre (ambas de su anterior trabajo, Daikiri Blues, 2009) propiciaron alguna que otra lagrimilla entre los allí presentes.

Habló con el público lo justo, y se dedicó a lo suyo: tocaron el nuevo álbum prácticamente al completo, y tocaron también temas de cada disco que los fans ya consideran clásicos (como es el caso de Pájaros Mojados, La Ciudad Del Viento o la excelsa Salitre). También interpretó en solitario el bonus track de “Delantera Mítica”, que no era otra que Is Your Love In Vain, tonada de Bob Dylan de finales de los setenta, adaptada al castellano. En ese momento yo deseé que escogiera la exquisita adaptación que hace a veces del These Days de Jackson Browne, pero bueno, la sorpresa y el resultado, me gustaron.

Dado el ambiente de la gente, además del extenso cancionero que atesora Quique, volvieron para dos bises. Con Vidas Cruzadas el final se fue intuyendo, y fue Y Los Conserjes De Noche la que cerró la velada con mucho canto por parte del público. Para mí uno de los mayores atractivos de la banda es la variedad que ofrecen (tanto en instrumentos como violin o mandolina, como en los estilos que repasan). Rock n roll que huele a clásico, folk, country y algo de blues están sobre la mesa cuando acudes a uno de sus conciertos, y son mostrados en todo su esplendor. No te lo pierdas.

(Texto: Jon Bilbao. Fotos: Marta Bravo)