BIME Pro 2016

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Fotos: FaceBook BIME Pro


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Las industrias creativas que de acuerdo con la UNESCO incluyen editoriales, música, cine, artes, diseño… vuelven a tener su principal espacio de encuentro para profesionales, artistas y público en general en el BIME. BIME se ha convertido en el festival y congreso de interior celebrado en Otoño en el sur de Europa más importante. Una plataforma para la música en directo y un punto de atracción y relación para el ecosistema de la música europea con puentes de comunicación con Latinoamérica.

Las cifras de la edición anterior no son desdeñables. BIME Pro acogió a 1500 profesionales vascos, estatales e internacionales, 148 ponentes de diferentes nacionalidades, 500 reuniones de speedmeeting con expertos y clientes además de contar con una participación de un millar de empresas. Por su parte, BIME Live contó con 20.000 asistentes que disfrutaron de sus artistas favoritos.

BIME Pro 2016 se celebró en el BEC! de Barakaldo los días 26/27/28 de octubre contando con showcases en locales de la capital bizkaina (Ambigú, Coppola, Residence, Stage Live o Kafe Antzokia) acogiendo dentro de su programación BIME City actuaciones gratuitas de Carlos Sadness, Bigott, Pau Roca, Chloe Bird, Trepat, Franco, Señores, Ocellot… entre otros. Para esta edición se ha contado con representantes de empresas líderes como Spotify, The Orchard, Sony Playstation, Napster, Vice… También se contó con más de 200 Pymes innovadoras a nivel mundial.

BIME Pro permite a los profesionales de las industrias creativas, principalmente musical, descubrir los retos y oportunidades de la música en el siglo XXI. Una de las principales objeciones que se le puede hacer al showbusiness y a la industria del entretenimiento en general es que anteponga el beneficio económico al valor artístico, en este caso, de la música. Marcas, marcas, marcas… no lo son todo.

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El primer día 26 un taller en la sala de prensa donde distintos stakeholders se preguntaban por la industria musical en Portugal, una oportunidad para abrir la música hecha en Portugal a nuevos mercados. Lo primero que me llamó la atención fue el diseño interior del espacio Luxua, lugar principal de parte del programa y centro de paso para el networking con bar incluido para el refrigerio. Un espacio multifuncional con áreas “Lounge” y mesas comunitarias iluminadas con flexos.

En la sesión speedmeeting oportunidad para reunirse y hacer networking con profesionales internacionales. En la sesión “Mapa de Festivales” responsables de los festivales señeros del panorama estatal hicieron una radiografía de la situación de los festivales, su evolución y sus relaciones con la administración pública. Entre los panelistas se encontraban Joaquín Martínez director de Esmerarte Festival Portamerica, Rocio Vallejo de Live Nation, Iñigo Argomaniz de Get In, Javier Ajenjo director de Sonorama Ribera y como moderador Albert Salmerón de APM. El moderador trajo a colación los datos del Ministerio de Cultura: 1000 festivales se celebraron en España en 2015.

De inmediato Joaquín comentó que muchos de estos festivales son “clones” y que hay que buscar estrategias de diferenciación para que los festivales cuenten como industria por su impacto económico y reconocimiento en el exterior. Javier recalcó que hay que potenciar las bandas locales con talento y regular los festivales ante el crecimiento descontrolado. Rocio añadió que hay lugar para todos, pero si que es cierto que se debe atajar el intrusismo en el sector. Recordaron las sonadas cancelaciones de varios festivales el pasado verano. Iñigo puso una nota escéptica cuando dijo que no sabe si los festivales contribuyen a que el “fan” siga asistiendo por el circuito de salas para ver y escuchar a sus bandas favoritas.

En cuanto a la relación de los festivales con la administración pública, Javier dijo que no se puede tener festivales con el 80% subvencionado. Javier, sacando pecho y no es para menos, comentó que ellos solo reciben una cantidad irrisoria de la Junta de Castilla la Mancha y que el grueso del presupuesto lo cubren con tickets y barra. Como él mismo dijo, lo nuestro es amor por el riesgo. Sin embargo, la economía cultural siempre tiene que apoyarse en líneas de crédito y subvención pública porque son indispensables.

Presentación principal de la mano de una de las leyendas dentro de la promoción musical: Pino Sagliocco. Pino es un legendario promotor musical actualmente director de Live Nation España. Se le puede llamar, tranquilamente, L´Imperatore de los grandes eventos musicales. Fue el artífice de juntar a Freddie Mercury con Montserrat Caballé cuando el mundo del rock y el mundo de la opera eran como el agua y el aceite. Trajo A los Stones y hasta les llevó a la Moncloa donde les recibió Felipe González. Se le considera el promotor de referencia y de acuerdo con Juan Suarez, periodista del Diario Ibiza, se le puede atribuir dar color a una España que hasta entonces vivía en blanco y negro. Es conocido por su estrecha amistad con el tristemente fallecido Michael Jackson (mi héroe de la infancia). Rompió una lanza en su favor ante el juicio público y acoso y derribo mediático que sufrió por sus presuntos abusos a niños. Al final de su charla donde contó numerosas anécdotas (¿sabias que la canción Barcelona himno de los juegos olimpicos del 92 con sede en Barcelona originalmente fue concebida para un club de Ibiza?) dio una serie de consejos para quien se quiera dedicar al showbusiness: haced las cosas con pasión, nunca por compromiso o por intentar ser mejor que nadie. Nunca llevar el trabajo a casa porque la familia es muy importante.

Ya por la tarde, mientras en el Congreso de los Diputados se celebraba el debate de Investidura de la duodécima segunda legislatura, mesa redonda auspiciada por la Asociación de Artistas AIE con los ponentes Luis Mendo (vicepresidente de AIE), Nacho Garcia Vega (compositor y músico), Álvaro Hernández (dirección estratégica AIE), Esteban Ruiz (compositor y músico) y Carlos Igual (experto en comunicación, bloguero) para debatir sobre la situación del artista en el mundo digital. Tras su charla-coloquio primer showcase del BIME a cargo de I Am Dive. Esteban Ruiz de I Am Dive como único miembro de la banda presente cogió su guitarra y en acústico nos interpretó un par de temas.

Casi simultáneamente con un panel compuesto por Armando Ruah de ACCES, Keina García directora de Artica, Tito Ramoneda director de The Project, Barnaby Harrod de Live Nation y Xavi Manresa como moderador; se debatió sobre salas y clubs. Hay contabilizadas 300 salas en toda España. La normativa difiere según comunidad. En España las salas son negocios privados sin subvención pública, no como ocurre en la mayoría de países europeos. Las salas españolas al no estar basadas en una economía mixta (público-privada) muchas veces arriesgan a la hora de programar artistas. Todos los panelistas estaban de acuerdo en que hay que mimar y cultivar el circuito de salas para el desarrollo de los artistas. Barnaby comentó que no hay ningún músico que alguna vez en su carrera no haya tocado en salas o clubes. Sin embargo, la paradoja es que las salas y los clubes no son viables económicamente la mayoría de las veces. A lo cual Keina añadió que al principio ningún artista es rentable.

Otro punto de vista, excesivamente neoliberal para mi gusto, del que todos los panelistas parecían estar de acuerdo es que la música nunca ha de ser gratis. Con gratis no se referían a que nadie cobrara. Los músicos, los técnicos, los promotores, los camareros, el portero, la seguridad… todos, siempre, han de tener una recompensa por su trabajo. Pero si las administraciones públicas lo pagan y luego quieren hacerlo de entrada libre y gratis para la gente, esto lo que entendían por “música gratis”, estaban en contra. Me estaban chirriando mis oídos cuando en el turno de preguntas un asistente de origen alemán (Sascha Siebenmorgen porque puede hablar con él en las zonas de networking) se me adelantó y dijo que no podía entender cómo en un país con 25% de paro, los panelistas estaban en contra de la música como bien público y de acceso para todos. Es un tema casi filosófico el valor (económico) de la música, pero si algo es la música es cultura. Y las administraciones tienen el derecho y la responsabilidad de invertir en la cultura y que sea accesible para la ciudadanía. Si las administraciones pagan, aunque no sea lo que quieren los promotores privados para llevarse los pluses que se llevan  igual es que no hay que utilizar la expresión “la música no es gratis”, sino eliminar y cambiar el modelo de un ecosistema musical donde la cadena de valor está llena de intermediarios que siempre quieren parte del pastel encareciendo el valor de la música y propiciando situaciones tales como cuando la administración pública paga el evento musical, pero aún así “los intermediarios” quieren más alegando que la “música no es gratis”.

Otra mesa redonda organizada por la Asociación de Mujeres de la Industria de la Música (MIM) hablaron del fan engagement cómo involucrar al fan con sus artistas favoritos que hasta hace bien poco eran inalcanzables, pero que ahora con las tecnologías digitales e Internet permite crear todo tipo de oportunidades que benefician al artista y sus seguidores.

A las 18:15 presentación del país invitado, Alemania, con cocktail de inauguración del BIME.

El segundo día 27 la agenda se apretaba con distintas sesiones, espacios y actividades paralelas. Por la mañana, presentaciones principales. La Unión Fonográfica Independiente con María Ibáñez como coordinadora de proyectos nos habló de las dificultades de los sellos independientes en un mercado controlado por unas pocas discográficas multinacionales. Dentro de este mismo bloque de paneles con ponentes organizado por la UFI-CON también pudimos escuchar a Noemí Planas hablar sobre cómo los ingresos se distribuyen entre los distintos agentes del ecosistema de la industria de la música: PVP (tienda física), IVA (estado), plataforma y agregador.

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Siguiendo dentro del bloque, con la UFI-CON como organizador, llegaba el turno para un panel compuesto por Luis Fernández co-fundador de Sonido Muchacho, Rocío Guerrero de Spotify, Almudena Palacios co-fundadora de Queremos Entrar, Adrián Martínez fundador de Movidas ardilla y Bea Camiña manager y moderadora. Estos cinco representantes de esta categoría sociológica pop de poco rigor científico, los millenial, hablaron sobre cómo su perspectiva como millenial influye en la industria musical. Tocaron temas como la gratuidad de la música, la burbuja de festivales, los distintos canales para acceder a la música y su formato, pero lo que más me gusto fue el turno de preguntas. Un miembro del público hablo dirigiéndose a Rocío, representante de Spotify, cómo podía conciliar el hecho de estar rodeada de propietarios de pequeños sellos independientes y no  salir apaleada. El hecho es que hay un debate Spotify Vs Músicos. Las grandes plataformas digitales están irrumpiendo en el sector apoderándose de espacios que antes no les pertenecían, como por ejemplo la del manager. Sin mencionar el hecho que son poco transparentes en sus liquidaciones a los autores y artistas. El Big Data y los algoritmos que dividen el pastel con fórmulas poco justas.

En un último panel dentro del mismo bloque titulado “Discográficas y artistas en el nuevo paradigma digital” Patricia Hermida de IMMF, Adrián Gutierrez del grupo Nunatak, Miguel Martorell de Altafonte, Julia Hernandez de SAE Institute (moderadora) y Thomas Cookman de National se centraron en rol del manager como figura central que ha de conocer todos los rudimentos del proceso, desde la distribución, producción, contratación… Otro tema que salió a colación fue el uso de las “playlists” (y sus reproducciones) de las plataformas para utilizarlas como indicadores para girar por determinados territorios etc. Aunque Adrián comentó que los algoritmos que crean las playlists son opacos y generan incertidumbre. No lo dijo con estas palabras, pero lo digo yo. Sin embargo, Miguel defendió el rol de la tecnología.

Speedmeeting con expertos alemanes y mesa redonda para conocer cómo ir a tocar a Alemania. De nuevo bajo la organización de la UFI-CON otra presentación principal a cargo de Alison Wenham directiva de Win sobre el valor económico de las discográficas independientes.

En el encuentro jurídico una de las primeras mesas redondas, ya por la tarde, se centró en la sincronización o la acción de hacer que la música sea “transmedia” y esté presente en cine, videojuegos y publicidad, el copyright y licencias en la música además de conceptos como cover, plagio etc. El concepto de sincronización se utiliza en el mercado para hacer referencia a cómo la música se usa en distintos canales y se puede diferenciar entre reproducción, no cambiar la música cuando se lleva la música de un artista a un anuncio de un coche en publicidad, y transformación cuando cambia parte de la pieza musical cuando se lleva a otros soportes. Para hacer una sincronización es necesaria la autorización del titular. Me quedó una duda que no pude resolver porque solo hubo una pregunta dado que el tiempo se había echado encima y la oportunidad de hablar con los ponentes fue escasa cuando todos hacen cola para hablar con ellos. Mi duda era que todo musicólogo distingue en las piezas musicales distintos componentes: melodía, ritmo, timbre, letra… ¿cuáles de estos aspectos de una pieza musical están recogidos por la ley de propiedad intelectual para así conocer el recorrido de las acciones de derecho de reproducción o transformación? Si alguno de los asistentes al encuentro jurídico conoce la respuesta que deje un comentario. Me gusto José Ramón Gil de FG Legal que en ciertos momentos del debate mostró ciertos recelos sobre la posición de fuerza de las editoriales como, por ejemplo, a la hora de impedir rescindir contrato cuando se han cumplido las obligaciones de los artistas para con ellas y deciden cambiar o irse pero no pueden.

En el panel sobre “Guía legal para el arte del buen management” participaron David Otero, cantante, Roberto Alvarez socio Cuatrecasas, Patricia Hermida de IMMF, Iñigo Ramirez abogado y Paul Rivas abogado y moderador. De nuevo se habló de la figura del manager y todos parecían estar de acuerdo en que la figura solitaria de un solo manager que todo lo sabe y controla del tipo Tom Parker, manager de Elvis Presley desde 1955 hasta su muerte, está de capa caída. La tendencia hacia la complejidad de la industria musical es que haya co-responsabilidades y oficinas con perfiles y esperticia en múltiples campos.

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El viernes 28 ya desde las 11:00 de la mañana en el atrio del BEC! una nueva edición del BIME Recruiting, foro de empleo de las industrias creativas, y BIME Hack Day, encuentro tecnológico con el manager tecnológico de You Tube, Alejandro San Agustín, Valeria Ventrici consultora en innovación y marketing, Luis Berganza presentador de programas tecnológicos y Pablo Pelaez director regional en España de Plain Concepts y Microsoft. También se celebró BIME Startup Summit para encontrar las empresas disruptivas del futuro a través de la competición Startup que permitió conectarlas con inversores y business angels. En ese mismo espacio Diego Urruchi de Media Attack, portavoz del equipo promotor formado por Elbio Nielsen y Jokin Echeverria, presentó la iniciativa Next Station con la que pretenden captar el talento audiovisual a través de un sistema basado en el juicio de un panel de expertos y el público a través de la interacción en redes sociales. Los elegidos serán guiados en un proceso de viabilidad de producto y monetización con el apoyo de metodologías de innovación avaladas por la Universidad de Mondragón y el apoyo del cluster Eiken y Eitb.

En la mesa redonda Videojuegos & VR se discutió las nuevas transformaciones dentro del ocio inmersivo con la implantación de la Realidad Virtual. Otra mesa redonda contó con los integrantes del grupo Belako, Javiera Mena y Julio Ruiz. No pude asistir. Por la tarde, apunto de dar comienzo BIME Live un panel sobre “El futuro de la edición musical” en el que se habló de transparencia y como el “streaming” ha cambiado la forma de consumo.

La siguiente charla impartida por Benji Rogers trató de hablar sobre el impacto de la tecnología blockchain en la música. Rogers presentó su iniciativa Dot blockchain Music Project. La tecnología blockchain permite crear numerosos registros de transacciones por el tipo de implementación de arquitectura descentralizada. La conexión de múltiples ordenadores entre sí hace que se pueda compartir información que se actualiza simultáneamente cuando hay algún cambio consiguiendo que no se pierda, destruya o corrompa información al estar compartida entre múltiples terminales y no en una única base de datos central. Las aplicaciones para la industria de la música de la tecnología blockchain pueden ser obtener liquidaciones y pagos más trasparentes y justos. El problema es que se ha de convencer a los principales jugadores y “stakeholders” de la industria para que adopten un sistema interoperativo estandarizado y universal y así compartir información en el mismo formato blockchain. Aquí es donde está el problema. Quizá no haya voluntad. Por otra parte ha habido numerosos formatos a lo largo de la historia: vinilo, VHS, cassette, CD, DVD, MP3… ahora introducir otro basado en tecnología blockchain no solo depende de que la industria adopte este mismo lenguaje interoperativo, sino que las grandes empresas tecnológicas apuesten por esta tecnología. Una empresa quijotesca pero que merece la pena porque resuelve problemas. Espero que Rogers pueda conseguirlo o si no inspirar a otros para hacerlo.

Finalmente, y antes de empezar la nueva edición del BIME Live hubo un cocktail de presentación del SXSW congreso y festival estadounidense que conjuga las industrias interactivas, cinematográfica y musical, o por lo menos eso decía el programa. No pude ir porque empezaba BIME Live. A la espera de las cifras, mi impresión y sensación es que hubo mucha más oferta de actividades, ponencias, y espacios además de mayor asistencia de público. BIME Pro se está consolidando como el lugar de reunión de los profesionales de la industria musical y creativas.

En: Crónicas

Acerca del autor

Aníbal Monasterio Astobiza es licenciado en Filosofía por la Universidad de Deusto (2003), Máster en Psicología Social por la Universidad del País Vasco (2010) y Doctor en Ciencias Cognitivas y Humanidades por la Universidad del País Vasco. Le gustan los huevos fritos y las patatas fritas.

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